Le Meraviglie Archeologiche della Basilica di San Clemente

Un viaggio in profondità nella storia di Roma

La Basilica di San Clemente si trova nel cuore di Roma, a circa 300 metri dal Colosseo, lungo la strada che collega il colle Oppio al Celio, in direzione di San Giovanni in Laterano. È dedicata a San Clemente Papa, terzo successore di San Pietro, morto intorno al 100 d.C.

All’interno della Basilica di San Clemente, il visitatore viene accolto da un’atmosfera di profonda bellezza e spiritualità. L’abside è dominato da uno straordinario mosaico del XII secolo che raffigura l’Albero della Vita, un intreccio di rami e foglie che si espande armoniosamente attorno alla croce, simbolo della redenzione. Questo capolavoro bizantino è ricco di dettagli simbolici e figure sacre, che invitano alla contemplazione. Il pavimento, realizzato in prezioso stile cosmatesco, è un altro gioiello artistico: un mosaico geometrico di marmi colorati, che testimonia l’eccellenza dell’arte decorativa medievale romana.

Un percorso a 20 metri di profondità nella storia della città

Sotto l’attuale basilica si nasconde un incredibile complesso archeologico stratificato su quattro livelli, che racconta la storia di Roma dal I secolo fino al Medioevo. A circa 20 metri di profondità si trovano resti di edifici romani, luoghi di culto pagano e le fondamenta della prima basilica cristiana.

Edifici distrutti dall’incendio di Nerone nel 64 d.C.

Il livello più antico è costituito da costruzioni in muratura distrutte dal grande incendio di Roma sotto Nerone. Dopo il disastro, le rovine furono riempite di terra e utilizzate come base per nuove edificazioni, portando il piano urbano a un livello più alto, simile a quello del Colosseo.

Insula romana con Mitreo e basilica del IV secolo

Su queste fondamenta sorsero due edifici: una semplice insula in mattoni, con piccoli appartamenti disposti attorno a un cortile dove fu costruito un tempio mitraico nel II secolo; e un palazzo più imponente, con cortile centrale, che nel IV secolo fu trasformato nella prima basilica cristiana. Il cortile divenne la navata centrale, mentre le stanze laterali furono adattate a navate minori.

Seppellimento della basilica del IV secolo ed edificazione della basilica del 1100

Nel XII secolo, la basilica del IV secolo fu dichiarata pericolante, probabilmente a causa delle devastazioni normanne del 1084. Il cardinale Anastasio ne ordinò il riempimento con pietrame fino all’altezza delle colonne, e sopra di essa fu costruita l’attuale basilica, di dimensioni leggermente ridotte.

Come sono emerse queste strutture?

Per quasi sette secoli, la basilica inferiore fu dimenticata. Solo nel 1857, grazie agli scavi del priore Joseph Mullooly e dell’archeologo Giovanni Battista de Rossi, le strutture sotterranee furono riportate alla luce. Le ricerche furono rese difficili dalla presenza di acqua sotterranea, ma permisero di ricostruire l’intera stratificazione storica.

Basilica di San Clemente

Indirizzo: Via Labicana, 95, 00184

Web: https://www.basilicasanclemente.com/ita/

Informazioni: segreteria@basilicasanclemente.com

Modalità di accesso e orari:

La Basilica di San Clemente accoglie visitatori e pellegrini, mettendo a disposizione il suo patrimonio, mirabile intreccio di storia, arte e fede.

L’accesso alla Basilica è gratuito nel rispetto delle celebrazioni eucaristiche, mentre per effettuare l’ingresso agli Scavi archeologici, è richiesta la prenotazione online.

Il numero di ingressi giornalieri è limitato per tutelare il patrimonio artistico e garantire un’esperienza di visita sicura e piacevole per tutti i visitatori.

PRENOTA QUI

DAL LUNEDI’ AL SABATO:
dalle 9.00 alle 12.30 (ultimo ingresso alle 12.00)
dalle 14.00 alle 18.00 (ultimo ingresso alle 17.30)
DOMENICA E FESTIVI:
dalle 12.00 alle 18.00 (ultimo ingresso alle 17.30)

Scavi e datazioni:
1857: inizio degli scavi sotto la basilica moderna
1857–1870: scoperta della basilica del IV secolo e degli edifici romani sottostanti
1912–1914: ulteriori scavi diretti da Padre Louis Nolan, che rivelarono un quarto livello archeologico risalente all’incendio del 64 d.C.

Monumento della pace: l’Ara Pacis e il suo significato

Museo dell’Ara Pacis

Rete Musei Civici di Roma

MiC Roma

Storia, simbolismo e arte del monumento della pace imperiale

L’Ara Pacis Augustae è uno dei monumenti più significativi dell’arte romana e della propaganda imperiale. Situata nel Campo Marzio di Roma, fu dedicata nel 9 a.C. alla dea Pax, simbolo della pace augustea e della prosperità portata da Ottaviano Augusto, primo imperatore romano.

Struttura dell’Ara Pacis: un templum arcaico

L’Ara Pacis si presenta come un recinto marmoreo rettangolare, che racchiude un altare interno. La sua forma richiama il templum arcaico, lo spazio sacro della religione romana, e riflette la volontà di Augusto di restaurare le tradizioni antiche. L’orientamento dell’edificio segue assi cosmici, sottolineando l’armonia tra potere e ordine universale.

Dea Pax e culto imperiale: significato propagandistico

La dedica alla dea Pax non nasce da un culto popolare, ma da una precisa strategia politica. Pax è la personificazione della pace garantita dal principato, strettamente legata al culto imperiale. L’Ara Pacis celebra il ritorno di Augusto dalle campagne militari e l’inizio di una nuova età dell’oro, simile al mitico regno di Saturno.

Decorazioni esterne: pannelli figurati e girali filosofici

Fascia inferiore: girali vegetali e simbolismo neoplatonico

La parte inferiore dell’Ara Pacis è decorata con girali di acanto, animati da piccoli animali e frutti. Questi motivi riflettono una visione neoplatonica della natura, dove la molteplicità del vivente è regolata da una logica unitaria, fondata su numero e geometria. Il fregio a svastiche, simbolo solare, richiama Apollo, dio della luce e protettore di Augusto.

Fascia superiore: pannelli mitologici e storici

I pannelli figurati si dividono in:

Pannelli mitologici:

Enea con i Penati: fondatore troiano di Roma, simbolo di pietas.
Romolo e Remo con la lupa: mito fondativo della città.
Dea Roma: figura marziale, custode della potenza militare.
Venere genetrix o Tellus: simbolo di fertilità e abbondanza, legata alla gens Julia e all’Eneide di Virgilio.

Pannelli storici:

Corteo di consacrazione: raffigurazione realistica di sacerdoti, magistrati e familiari di Augusto, il giorno della consacrazione dell’altare.

Messaggio politico: Augusto e la nuova età dell’oro

Il messaggio dell’Ara Pacis è chiaro: Augusto è il princeps voluto dagli dèi, colui che ha riportato pace e prosperità a Roma. Il suo governo inaugura una seconda età dell’oro, dove l’ordine cosmico si riflette nell’ordine politico.

Inserimento nel Campo Marzio: un paesaggio simbolico

L’Ara Pacis era parte di un complesso monumentale augusteo:

Horologium Augusti: orologio solare il cui obelisco proiettava l’ombra sull’Ara Pacis il giorno del compleanno di Augusto.
Mausoleo di Augusto: sepolcro dinastico, simbolo di continuità imperiale.
Pantheon: tempio dedicato a tutti gli dèi, ristrutturato da Agrippa, collega il potere imperiale alla sfera divina.

Indirizzo: Lungotevere in Augusta (angolo via Tomacelli) – 00186 Roma
Sito web: https://www.arapacis.it/
Costo Indicativo del biglietto: 14,00 euro non residente – 9,50 euro residente

Gratuità: prima domenica del mese
Sempre gratis per i possessori della MiC Card

Musei arte antica:
Musei Capitolini
Museo Centrale Montemartini
Museo dell’Ara Pacis
Museo della Forma Urbis
Museo Nazionale Romano
Museo Nazionale Etrusco
Museo di scultura antica Barracco
Musei Vaticani
Museo della Civiltà Romana

Parchi archeologici:
Parco Archeologico del Colosseo
Mercati di Traiano
Mausoleo di Augusto
Terme di Caracalla
Parco Archeologico Appia Antica
Museo delle Mura
Basilica Sotterranea di Porta Maggiore
Villa di Livia

La grandiosa tazza di marmo con corteo marino

Un tesoro prezioso della collezione di Palazzo Massimo

Tra i capolavori più affascinanti conservati a Palazzo Massimo, spicca una straordinaria tazza marmorea decorata con un fregio marino di rara eleganza. Rinvenuta nell’area del lungotevere in Sassia, probabilmente nei pressi degli antichi Horti di Agrippina, questa opera d’arte unisce raffinatezza tecnica, profondità mitologica e valore storico. Il fregio scolpito raffigura un corteo marino animato da Nereidi e tritoni, culminante nella scena della consegna delle armi ad Achille, episodio centrale dell’Iliade di Omero. L’opera, realizzata in marmo pentelico, è un esempio eccellente di scultura decorativa romana influenzata dal tardo ellenismo, e testimonia la cultura colta e simbolica delle élite imperiali.

Il fregio marino: ninfe danzanti e tritoni eroici

Il fregio scolpito in altorilievo raffigura un corteo marino (thiasos) di rara eleganza. Le Nereidi, ninfe del mare, si muovono con linee sinuose e leggere, trasportate da tritoni dai corpi atletici e scolpiti con precisione anatomica. Le figure sembrano danzare sulle onde.

Il movimento dei tritoni converge al centro, dove avviene l’incontro tra la figura che porta uno scudo e quella che porta una corazza: è il cuore narrativo della scena, che rappresenta la consegna delle armi divine ad Achille, momento mitico tratto dall’Iliade.

Il mito delle armi di Achille: tra letteratura e scultura

Secondo il racconto omerico, dopo la morte di Patroclo, Achille riceve nuove armi forgiate dal dio Efesto, su richiesta della madre Teti, una delle Nereidi.
Le armi di Achille erano infatti in mano ai Troiani. Patroclo le aveva rubate, e vestito della panoplia di Achille, aveva sfidato Ettore. Questi, convinto di avere davanti l’invincibile eroe greco, scese in campo e uccise il giovane Patroclo. La morte del guerriero, rompe il giuramento di Achille di non combattere più e segna la fine della città di Troia.

Lo scudo di Achille: un universo scolpito

Nel Libro XVIII dell’Iliade, Omero dedica oltre 130 versi alla descrizione dello scudo, in quello che è considerato il primo esempio di ekphrasis nella letteratura occidentale. Efesto, nella sua fucina divina, crea un oggetto che non è solo arma, ma mappa simbolica del mondo.

Lo scudo è composto da cinque strati metallici (bronzo, oro, argento, stagno) e circondato da un orlo triplo lucente, con una tracolla d’argento. Sulla sua superficie, Efesto scolpisce:

Il cosmo: terra, cielo, mare, il Sole, la Luna e le costellazioni (Pleiadi, Iadi, Orione, l’Orsa).
Due città: una in pace, con nozze e processi pubblici; l’altra in guerra, assediata e difesa.
Scene di vita rurale: aratura, mietitura, vendemmia, pascoli, attacco di leoni a una mandria.
Una danza di giovani e, all’esterno, il fiume Oceano che circonda tutto.

“Ivi ei fece la terra, il mare, il cielo / E il Sole infaticabile, e la tonda Luna, / e gli astri diversi onde sfavilla / Incoronata la celeste volta…”
(Iliade XVIII, vv. 483–486, trad. Monti)

Lo scudo non protegge solo il corpo: racchiude l’intera esistenza, alternando guerra e pace, gioia e dolore, natura e civiltà. È un ritratto del mondo omerico, scolpito per un eroe che incarna la totalità dell’esperienza umana.

La corazza: splendore e invincibilità

Nel Libro XIX, Teti consegna ad Achille le armi divine. La corazza è descritta come lucente come fiamma viva, perfettamente aderente al corpo dell’eroe. Nonostante Omero non ne dia una descrizione dettagliata come per lo scudo, la corazza assume un valore simbolico altissimo:

È segno della rinascita di Achille dopo il lutto per Patroclo.
Rappresenta la protezione divina: forgiata da Efesto, è unica e inimitabile.
La sua luce è paragonata a quella della luna sul mare, visibile da lontano come un faro per i naviganti.

“E poi lo scudo prese, grande, massiccio; e da questo / fulgore come di luna si diffuse lontano…”
(Iliade XIX, vv. 373 ss.)

Ritrovamento e contesto storico: gli Horti di Agrippina

La tazza è stata rinvenuta nell’area dell’Ospedale Santo Spirito in Sassia, che sorge sopra gli antichi Horti Agrippinae, lussuosa residenza di Agrippina Maggiore. Figlia di Marco Agrippa e Giulia, nipote di Ottaviano Augusto e discendente di Giulio Cesare, Agrippina fu moglie del generale Germanico e madre dell’imperatore Caligola. Dopo la morte sospetta del marito, fu esiliata da Tiberio e morì di fame a Ventotene, in un ultimo gesto di ribellione e di resistenza.

La tazza faceva parte, molto probabilmente, di una fontana monumentale che abbelliva il giardino; rappresenta uno dei più preziosi esempi di copie romane di modelli classici. In marmo pentelico, è un esempio perfetto di scultura decorativa romana influenzata dal tardo ellenismo. Queste copie servivano ad arredare le residenze urbane e le ville delle classi dirigenti che le usavano per costruire complicati programmi decorativi dove esibire la propria cultura ellenizzante.

Conclusione: un’opera che racconta Roma, l’arte e il mito

Questa tazza non è solo un oggetto decorativo: è un frammento prezioso della storia culturale di Roma. Proviene dal giardino di una delle famiglie più influenti dell’antichità, la Gens Julia, legata direttamente a Giulio Cesare e ad Augusto. Il suo altissimo livello artistico, la raffinatezza delle figure, la profondità simbolica del mito rappresentato e la qualità del marmo utilizzato la rendono un capolavoro assoluto. Ma soprattutto, essa testimonia una cultura che faceva del mito, della letteratura e dell’arte un linguaggio comune, capace di evocare l’Iliade di Omero con una potenza visiva che ancora oggi ci incanta. Un’opera che unisce bellezza, memoria e identità.

Museo Nazionale Romano, Palazzo Massimo
Indirizzo: Largo di Villa Peretti, 2, 00185 Roma RM

Musei dedicati a Roma Antica:
Museo Centrale Montemartini
Musei Vaticani
Musei Capitolini
Museo Nazionale Etrusco
Museo di scultura antica Barracco
Museo della Civiltà Romana

Parchi archeologici:
Parco Archeologico del Colosseo
Mercati di Traiano
Mausoleo di Augusto
Terme di Caracalla
Museo dell’Ara Pacis
Parco Archeologico Appia Antica
Basilica Sotterranea di Porta Maggiore
Villa di Livia

Link utili:

Leggi anche:

Agrippina Maggiore

Agrippina Maggiore, figlia di Marco Vipsanio Agrippa e Giulia, sposò Germanico e ebbe nove figli, tra cui Caligola e Agrippina Minore. Celebre per il suo coraggio, divenne bersaglio della gelosia di Tiberio. Dopo la morte di Germanico, fu esiliata a Ventotene, subendo gravi maltrattamenti fino alla morte per digiuno.

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Il Ritrovamento della Statua di Augusto

La statua dell’imperatore Augusto, risalente al I secolo d.C., è rappresentato in veste di Pontifex Maximus, simbolo di potere e tradizione, rinvenuta nel 1910. Oggi è esposta al Museo Nazionale Romano.

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Domus di Marco Vipsanio Agrippa

Nel 1879, scavi nel giardino della casa Farnesina a Trastevere rivelarono i resti di una villa augustea, con straordinarie decorazioni murali. Sebbene manchino oggetti d’arredo, la qualità degli affreschi suggerisce un legame con Marco Vipsanio Agrippa.

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Le pareti ingannevoli

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Scopri l’Accademia di San Luca a Palazzo Carpegna

Cosa vedere a Roma gratis

Per chi cerca cosa fare a Roma gratis, oppure è a caccia di itinerari insoliti nella Città Eterna, possiamo consigliare un luogo affascinante e poco conosciuto: l’Accademia Nazionale di San Luca. Situata nel cuore di Roma, a due passi dalla Fontana di Trevi, questa istituzione storica offre ingresso gratuito e un percorso tra arte, architettura, simbolismo e creatività europea che accenderà la vostra curiosità.

Dalle origini spirituali a istituzione culturale

Fondata nel 1593 dal pittore e teorico Federico Zuccari, l’Accademia di San Luca nacque per promuovere pittura, scultura e architettura come arti intellettuali, elevandole al rango delle discipline liberali.

La prima sede fu presso l’Oratorio di San Luca, situato nei pressi della basilica di Santa Maria Maggiore. La scelta fu profondamente simbolica: l’oratorio sorgeva vicino alla celebre icona mariana della Salus Populi Romani, oggi custodita nella Cappella Paolina. Ritenuta opera dello stesso San Luca evangelista, patrono degli artisti, questa immagine sacra simboleggiava protezione divina e vocazione spirituale per chi si dedicava all’arte.

Palazzo Carpegna e il genio di Borromini

Il palazzo che ospita l’Accademia è un capolavoro barocco rinnovato da Francesco Borromini tra il 1643 e il 1650. Qui progettò:

Il suggestivo portale d’ingresso, decorato con fregi e una medusa scolpita
Il raffinato portico interno
La scenografica rampa elicoidale, simbolo ascensionale dell’arte come cammino verso l’eccellenza

Il giardino e il Guerriero morente

All’interno del complesso si trova anche un giardino nascosto, silenzioso e impreziosito da una straordinaria scultura: l’Achille morente di Filippo Albacini, realizzato nel 1854 in marmo di Carrara. L’eroe omerico è ritratto nel momento del trapasso, piegato ma ancora fiero: un’opera carica di pathos e potenza espressiva, incorniciata da verde e architettura. Uno spazio perfetto per una pausa di bellezza.

Due accademie a confronto: San Luca e i Virtuosi al Pantheon

Per chi esplora itinerari culturali a Roma, è interessante il confronto con la Pontificia Insigne Accademia di Belle Arti e Lettere dei Virtuosi al Pantheon, fondata nel 1542 con una vocazione spirituale e religiosa.

Mentre l’Accademia di San Luca si è distinta per il suo carattere laico e accademico, con l’obiettivo di sostenere lo studio delle arti come disciplina intellettuale e professionale, i Virtuosi al Pantheon hanno operato (e operano tuttora) nell’ambito dell’arte sacra e della letteratura cristiana, promuovendo opere ispirate alla spiritualità e ospitando esposizioni nelle cappelle del Pantheon.

Entrambe sono espressioni di eccellenza artistica romana, ma con finalità e atmosfere differenti: l’una rivolta all’innovazione e all’insegnamento, l’altra legata alla devozione e alla tradizione cristiana.

Accademia di San Luca e la centralità di Roma nel panorama culturale europeo

Visitare l’Accademia di San Luca significa fare molto più che ammirare opere d’arte: significa entrare nel tessuto culturale di Roma, comprenderne il ruolo storico di capitale internazionale dell’arte e scoprire come le sue accademie abbiano riunito le menti più brillanti del panorama europeo per secoli.

Dalle sue origini spirituali alla vocazione formativa, l’Accademia testimonia la funzione guida di Roma nella cultura occidentale, punto di incontro tra innovazione, bellezza e pensiero. E tutto questo è accessibile gratuitamente, in un palazzo che racconta più di quanto mille guide possano spiegare.

Come visitare l’Accademia di San Luca

Indirizzo: Piazza dell’Accademia di San Luca 77, Roma

Sito web: https://accademiasanluca.it/

Ingresso: gratuito

Metro: Linea A, fermata Barberini
Orari: Martedì–Venerdì 15:00–19:00 | Sabato 10:00–19:00

Prenotazioni: prenotazioni@accademiasanluca.it

Accessibilità: garantita per persone con mobilità ridotta

Chi erano gli accademici?

L’Accademia ha riunito nei secoli i nomi più illustri del panorama artistico:

Gian Lorenzo Bernini, principe dell’arte barocca
Antonio Canova, ultimo principe dell’Accademia e padre del neoclassicismo
Domenichino, Giacomo Balla, Carlo Maria Mariani e molti altri protagonisti dell’evoluzione dell’arte italiana ed europea

Cosa vedere all’Accademia di San Luca

Un vero scrigno per gli amanti dell’arte, con opere che attraversano cinque secoli:

“San Luca che dipinge la Vergine”, attribuito a Raffaello
Un bozzetto in terracotta del leone per la Fontana dei Quattro Fiumi di Bernini
Una copia della “Galatea” di Raffaello, realizzata da Pietro da Cortona in stile barocco
Opere di Canaletto, Hayez, Thorvaldsen, Van Dyck, Piazzetta, Jacopo Bassano
Modelli in gesso, disegni architettonici e dipinti legati ai concorsi accademici
33 opere contemporanee donate nel 2025 dal gallerista Gian Enzo Sperone, tra cui lavori di Giulio Paolini e Carlo Maria Mariani

Arte rinascimentale a Roma: la Casa dei Cavalieri di Rodi tra Venezia e il Foro

Tra i luoghi più affascinanti dell’arte rinascimentale a Roma c’è un edificio poco conosciuto ma straordinario: la Casa dei Cavalieri di Rodi, incastonata nel Foro di Augusto. Questo palazzo rinascimentale del Quattrocento racconta la fusione unica tra architettura medievale, ideali cavallereschi, e l’influenza della cultura veneziana nel cuore della Roma imperiale.

Le fondamenta sul Tempio di Marte Ultore

Costruito sopra le imponenti strutture del Tempio di Marte Ultore, il palazzo incorpora letteralmente la Roma classica nel suo impianto. Blocchi squadrati e frammenti architettonici dell’antico tempio sono ancora visibili nel basamento, offrendo una straordinaria esperienza di stratificazione architettonica tra antichità e Rinascimento.

La loggia rinascimentale a otto arcate

Fulcro artistico dell’edificio è la celebre loggia affrescata a otto arcate, voluta intorno al 1470 dal priore veneziano Marco Barbo. Si affaccia sui Fori Imperiali come un teatro del potere umanista. La loggia presenta ritratti di imperatori, paesaggi simbolici e architetture illusionistiche: un ponte tra l’arte parietale romana antica e la pittura rinascimentale. Da qui, secondo la tradizione, papa Paolo II (Pietro Barbo) si affacciava per benedire il popolo romano.

Finestra veneziana e identità culturale

Sulla facciata spicca una finestra trifora in stile veneziano, un chiaro richiamo alle origini lagunari dei Barbo. È la testimonianza visiva dell’incontro tra Venezia e Roma nel Quattrocento, quando lo zio Paolo II era papa e Marco Barbo guidava il Priorato dei Cavalieri: una “diplomazia dell’arte” che lasciò segni indelebili.

Affreschi e simbolismo tra antichità e umanesimo

Gli affreschi della loggia rinascimentale, oggi parzialmente perduti, si ispirano alla decorazione delle antiche Domus romane, come il criptoportico della villa di Livia (ancora sepolto nel XV secolo) o la Domus Aurea, che sarebbe stata scoperta pochi anni dopo. I pittori di Marco Barbo reinterpretano motivi naturalistici e simbolici in chiave cristiana e cavalleresca: paesaggi con animali, medaglioni, architetture dipinte.

Il legame con Palazzo Venezia

La Casa dei Cavalieri di Rodi condivide maestranze e stile con Palazzo Venezia, la reggia papale costruita da Paolo II, anch’essa simbolo del rinascimento veneziano a Roma. Entrambi gli edifici rappresentano un’unica regia culturale e politica: unire fasto, fede e classicismo sotto il segno del leone di San Marco.

Interni storici: Sala delle Bandiere, mappe e cappella

All’interno, il palazzo custodisce ambienti ricchi di significato:

La Sala delle Bandiere, con le otto “Lingue” dell’Ordine di Malta, richiama l’universalità cristiana e la struttura multinazionale dell’Ordine.
Due grandi affreschi cartografici mostrano i possedimenti dei Cavalieri nel Mediterraneo e le isole di Rodi e Malta: veri capolavori di arte geografica rinascimentale.
La cappella palatina, dedicata a San Giovanni Battista, custodisce un’intensa spiritualità: il santo è figura mistica e patrono dell’Ordine, simbolo di purificazione, iniziazione e vigilanza interiore.

In sintesi, la Casa dei Cavalieri di Rodi è un capolavoro del rinascimento romano, che intreccia simbolismo cristiano, modelli classici e visioni veneziane. Un itinerario perfetto per chi cerca arte rinascimentale a Roma fuori dai circuiti turistici tradizionali.

Marco Barbo (1420–1491) fu un cardinale veneziano e un importante umanista del Quattrocento, noto soprattutto per il suo ruolo nella trasformazione architettonica di Roma durante il Rinascimento.

Apparteneva a una famiglia patrizia veneziana ed era nipote di papa Paolo II (Pietro Barbo). Nel 1466 divenne Gran Priore dell’Ordine Cavalleresco di San Giovanni a Gerusalemme.

Questo incarico non era solo onorifico: comportava responsabilità amministrative, diplomatiche e anche architettoniche. Barbo si insediò nella Casa dei Cavalieri di Rodi, che trasformò tra i 1467 e il 1471.

Papa Paolo II
Pietro Barbo nacque a Venezia nel 1417, divenne cardinale nel 1440 a soli 23 anni e papa nel 1467.
Il suo pontificato segnò una fase di transizione tra il Medioevo e il Rinascimento, sia nella cultura che nella politica ecclesiastica.

Durante il suo pontificato, Paolo II si distinse per una politica di rafforzamento del potere papale e per un’intensa attività edilizia e culturale a Roma:
Fece costruire il Palazzo di San Marco, oggi noto come Palazzo Venezia, una delle prime grandi residenze rinascimentali di Roma.

L’edificio fu concepito come sede papale e simbolo del potere temporale e spirituale del pontefice.

Fu un mecenate ambiguo: pur essendo un collezionista di antichità e promotore delle arti, fu anche sospettoso verso alcuni umanisti, che considerava troppo indipendenti o critici.

L’Ordine dei Cavalieri di Rodi

Le Sette Erme Marmoree degli Aurighi: Un Viaggio nella Roma Antica

Introduzione

Nel cuore di Roma, tra le preziose collezioni del Museo Nazionale Romano di Palazzo Massimo, si trovano le affascinanti erme marmoree degli aurighi, testimoni di un culto antico che celebrava il vigore, la competizione e la vittoria. Questi reperti, emersi nel 1889 durante i lavori per la realizzazione della stazione di Trastevere, raccontano la storia di un santuario dedicato a Ercole, eroe mitologico associato alla forza fisica e alla gloria sportiva.

Erma I
Busto in marmo lunense, erma in marmo africano.

Il giovane auriga, dai tratti somatici orientali, indossa una tunica fermata sulla spalla da una fibula. L’acconciatura a piccole ciocche a “S” arricciata artificialmente con il ferro, si ispira alla ritrattistica di Domiziano giovane, che a sua volta riprende, a fini propagandistici, la moda sfoggiata da Nerone negli ultimi anni del suo regno (81-96 d.C.).

Gli Aurighi e il Culto della Vittoria nella Roma Antica

Uno dei ritrovamenti più significativi furono sette busti di marmo raffiguranti aurighi, facilmente identificabili grazie alle stringhe sul petto. Questi uomini, vincitori di gare sportive, consacrarono i loro ritratti a Ercole, elevando la loro carriera agonistica al rango delle leggendarie imprese del mitico eroe greco. Le erme marmoree, scolpite in pregiati marmi colorati, testimoniano il prestigio e la ricchezza degli aurighi, attivi tra l’età giulio-claudia e l’età adrianea (I-II sec. d.C.), abbastanza influenti da commissionare opere a botteghe artistiche legate alla committenza imperiale.

Erma II

Busto in marmo lunense, erma in marmo africano.

Ritratto con ciocche delineate dal trapano, stilisticamente legato all’età neroniana (30-70 d.C.).

L’Allestimento della Sala Espositiva

L’allestimento della sala in cui sono esposte le sette erme marmoree è studiato per creare un’esperienza immersiva e suggestiva per il visitatore. Le opere sono disposte in modo da favorire un movimento a spirale attorno ai ritratti: tre delle erme occupano il centro della sala, mentre le altre quattro si trovano ai quattro angoli, creando un percorso visivo che guida lo sguardo prima ai ritratti centrali e poi a quelli laterali.

Erma III

Busto in marmo lunense, erma in marmo africano.

Il ritratto, caratterizzato da un’acconciatura a ciocche morbide, barba e baffi, si inserisce nella produzione di età adrianea (117-138 d.C.) e presenta affinità con il ritratto dell’imperatore Adriano del tipo detto “Stazione Termini”.

L’ambiente è scuro e avvolgente, con pareti nere che amplificano il contrasto tra le opere e la luce che le illumina. Fasci di luce calda, provenienti dall’alto, esaltano le superfici marmoree e mettono in risalto i dettagli più espressivi dei volti: labbra, palpebre e zigomi emergono dalla penombra, donando alle sculture una presenza quasi viva e vibrante.

Erma IV

Busto in marmo lunense, erma in bardiglio.

Ciocche lunghe sulla fronte, tipiche dello stile neroniano (54-68 d.C.).

Curiosità: La Moda Imperiale e la Datazione delle Erme

Un dettaglio affascinante sul metodo di datazione delle erme marmoree riguarda l’analisi della capigliatura dei ritratti. Nella Roma imperiale, l’imperatore era il punto di riferimento estetico, e la sua acconciatura o il modo di portare (o no) la barba influenzavano la moda maschile del suo principato.

Erma V

L’auriga, in età matura, presenta una pettinatura a corta frangia che permette di datare il ritratto all’età neroniana (54-68 d.C.).

Gli archeologi hanno studiato le pettinature degli aurighi rappresentati nelle erme per attribuire loro una cronologia precisa, confrontandole con i ritratti imperiali. Per esempio, le acconciature ricciolate e le frange compatte richiamano le mode neroniane, mentre i capelli corti e ordinati sono tipici dell’età traianea e adrianea. Questo dimostra quanto l’immagine dell’imperatore fosse determinante nell’influenzare il gusto e la percezione della mascolinità nella Roma antica.

Erma VI

L’acconciatura del personaggio, con lunghe ciocche aderenti al cranio e ricadenti sulla fronte in una frangia compatta, rimanda al ritratto di Traiano (98-117 d.C.) creato in occasione dei Decennalia, il decimo anniversario del suo regno.

Conclusione: Il Fascino della Scultura Romana e il Culto di Ercole

Questo ritrovamento mostra la profonda connessione tra sport e religione nella Roma antica. Le erme marmoree degli aurighi testimoniano la continuità del culto di Ercole e l’importanza della vittoria nel mondo romano. Grazie a Palazzo Massimo, oggi possiamo ammirare queste straordinarie opere e immergerci nella storia di un’epoca in cui arte, competizione e spiritualità si intrecciavano in un culto che esaltava la forza fisica come mezzo per trascendere le passioni e avvicinarsi all’immortalità.

Erma VII

In questo ritratto i tratti tipici dello stile traianeo sono evidenti nella resa somatica del volto e nel tipo di acconciatura, caratterizzata da una frangia divisa al centro da ima scriminatura. L’opera è databile intorno al 110 d.C..

Museo Nazionale Romano, Palazzo Massimo
Indirizzo: Largo di Villa Peretti, 2, 00185 Roma RM

La Scoperta del Sacello di Ercole
Le strutture rinvenute sul versante orientale della collina di Monteverde, anticamente nota come Horti Caesaris, hanno rivelato un luogo sacro lungo la Via Portuense. Al suo interno, gli archeologi hanno trovato una nicchia scavata nel tufo contenente statuette di Ercole, un busto di Giove Serapide, un busto di Minerva e diverse lucerne. Due altari recavano l’iscrizione “Imperio Herculi Sacru L. Domitius Permissus fecit”, attestando la lunga tradizione di culto dedicato a Ercole.

Glossario

Auriga – Conducente di carri da corsa nelle competizioni circensi. Gli aurighi più celebri erano vere e proprie stelle dello sport romano.
Erma – Pilastrino quadrangolare sormontato da una testa scolpita, originariamente legato al culto di Hermes.
Sacello – Piccolo edificio sacro destinato al culto di una divinità.

La fontana dell’Annunziata

Una curiosità del Casino del Bel Respiro

Un capolavoro nel cuore di Villa Doria Pamphilj

La Fontana dell’Annunziata, situata nel parco di Villa Doria Pamphilj a Roma, rappresenta un perfetto connubio tra natura e arte. Costruita intorno al 1850 per iniziativa di Lady Mary Talbot, moglie di Andrea Doria Pamphilj, questa fontana si distingue per la sua ampia vasca in marmo e la copia bronzea al centro, ispirata all’originale di Pietro Tacca del 1629. L’opera originale si trova nella Piazza della Santissima Annunziata a Firenze.

La figura di Mary Talbot: Nobiltà e devozione

Mary Talbot, figlia del conte di Shrewsbury, fu una figura influente nella società romana dell’Ottocento. Proveniente da una famiglia cattolica inglese, Mary si distinse per il suo impegno religioso e per il sostegno ad attività filantropiche. Durante la sua vita a Roma, collaborò attivamente alla gestione delle proprietà della famiglia Doria Pamphilj, contribuendo anche alla trasformazione del parco di Villa Doria Pamphilj, oggi tra i più grandi e suggestivi della città.

L’arte di Pietro Tacca: Un’eredità manierista

L’opera originale di Pietro Tacca, uno dei maestri della scultura manierista, fu inizialmente concepita per Livorno ma venne infine collocata a Firenze. Le fontane originali, celebri per i dettagli naturalistici e i festoni marini con pesci, crostacei e alghe, rappresentano una rottura rispetto ai tradizionali canoni artistici dell’epoca. Elementi come le vasche a forma di conchiglia e i mostri marini, che vomitano acqua dalle bocche rivolte verso il basso, testimoniano l’innovazione artistica di Tacca.

Da Firenze a Roma: Il viaggio di una copia

La copia bronzea della fontana, oggi al centro del parco romano, fu collocata su iniziativa di Mary Talbot per arricchire la bellezza di Villa Doria Pamphilj. Il progetto includeva anche otto aiuole regolari che, disposte attorno alla fontana centrale e agli specchi d’acqua, aggiungono un tocco di colore e armonia.

Le repliche a Livorno: Un omaggio alla tradizione

Le fontane originali di Firenze furono talmente apprezzate che, molti anni dopo, vennero create delle repliche per Livorno. Queste, conosciute come le “Fontane del Cacciucco”, si trovano oggi in via Grande, di fronte al porto, e possono essere ammirate gratuitamente dai visitatori.

Un monumento che unisce passato e presente

La Fontana dell’Annunziata è molto più di un’opera d’arte: è un simbolo di connessioni culturali e storiche, che lega Firenze, Roma e Livorno in un filo narrativo unico. Grazie alla visione di Lady Mary Talbot e alla maestria di Pietro Tacca, questa fontana continua a incantare i visitatori, unendo storia, bellezza e natura.

Casino del Bel Respiro o dell’Algardi
Via Aurelia Antica , 183 Roma
Parco di Villa Doria Pamphilj

Mary Alethea Beatrix Talbot dei conti di Shrewsbury (29.5.1815 – Roma 18.12.1858) figlia del conte di Shrewsbury John, “il più eminente cattolico inglese” dei suoi tempi, ebbe una esemplare formazione cattolica. Profondamente convinti del valore educativo dei viaggi, i Talbot trascorrevano così gran parte dell’inverno nel continente e le due ragazze acquisirono la perfetta padronanza del francese, del tedesco e dell’italiano. Come membri di una delle più importanti famiglie cattoliche britanniche, erano accolti dall’aristocrazia europea ovunque andassero. Nel 1832 Mary Alethea Beatrix fu creata principessa dal re Ludovico I di Baviera e il 4 aprile 1839 sposò il principe Filippo Andrea V Doria Pamphilj Landi, da cui ebbe sette figli. Fu molto amata a Roma – insieme con la sorella Guendalina, moglie di Marcantonio Borghese – per la devozione religiosa e l’opera di beneficenza. Coadiuvata dalle famiglie benestanti di Roma, con la sorella era solita visitare le case dei poveri e degli indigenti, portando cibo, vestiti e medicine ai bisognosi.

Si dice che il marito, Andrea Doria Pamphili alla sua morte fece piantare una serie di alberi che visti dalle finestre del casino del Bel Respiro, componevano il nome Mary in onore dell’amata moglie.

Gli stucchi della Basilica di Porta Maggiore

L’interpretazione neo-pitagorica

La Basilica sotterranea di Porta Maggiore, scoperta nel 1917, è una meraviglia nascosta sotto la città di Roma. Risalente al I secolo d.C., il suo stile architettonico e le decorazioni interne rivelano una cura e una raffinatezza straordinarie.
Il suo scopo rimane avvolto nel mistero: alcuni studiosi ritengono che fosse un luogo di culto legato alla filosofia neopitagorica, mentre altri sostengono che fosse destinata a funzioni funerarie. Indipendentemente dalla sua funzione, la Basilica rimane un affascinante esempio dell’arte e della cultura dell’antica Roma.

Principi fondamentali della filosofia neopitagorica

Il neopitagorismo è una corrente filosofica che fonde le idee di Pitagora con elementi religiosi e mistici. I suoi principi centrali includono:

L’armonia cosmica, che si manifesta nella connessione tra il mondo materiale e il divino.
La purificazione dell’anima attraverso pratiche e rituali, per avvicinarsi al principio divino.
La ricerca della saggezza e della verità come via per comprendere il significato della vita.

La teoria della metempsicosi dell’anima

Uno dei concetti più importanti del neopitagorismo è la metempsicosi, ovvero la trasmigrazione dell’anima. Secondo questa teoria, l’anima è immortale e passa attraverso diverse incarnazioni, purificandosi gradualmente. Ogni vita rappresenta un’opportunità per liberarsi dalle impurità del mondo materiale e avvicinarsi alla perfezione spirituale. Questo processo di reincarnazione è visto come un viaggio iniziatico verso l’armonia cosmica.

Miti rappresentati e percorso iniziatico

Gli stucchi della Basilica raffigurano miti classici, organizzati secondo un possibile percorso iniziatico di liberazione dell’anima:

Il rapimento di Ganimede: Nella navata centrale, il giovane Ganimede viene rapito da un genio alato. Questo mito rappresenta l’inizio del percorso, l’attrazione verso il divino e l’elevazione dell’anima.
Il mito di Medea: La figura della maga, accanto al serpente che protegge il vello d’oro, simboleggia la conoscenza occulta e il superamento delle prove per avanzare nel viaggio spirituale.
Orfeo ed Euridice: Orfeo tenta di riportare Euridice dal regno dei morti, un gesto che simboleggia la connessione tra il mondo materiale e spirituale e la ricerca dell’immortalità.
Il ratto delle figlie di Leucippo: I Dioscuri rapiscono le figlie di Leucippo, un mito che celebra l’unione dell’umano con il divino, avanzando nel processo di elevazione spirituale.
Il suicidio di Saffo: Nell’abside, il gesto di Saffo di gettarsi nel mare per amore, sotto lo sguardo di Apollo, segna la purificazione finale dell’anima e il raggiungimento dell’armonia cosmica.

Materiali e curiosità

Gli stucchi della Basilica sono un esempio di straordinaria maestria artistica. L’impasto include madreperla, che dona loro una brillantezza unica. Inoltre, il blu dell’abside è stato creato utilizzando un pigmento prezioso chiamato fritta egizia, simbolo di profondità e divinità.

Interpretazione filosofica

I miti rappresentati negli stucchi incarnano i principi fondamentali del neopitagorismo. Attraverso simboli e allegorie, raccontano il viaggio dell’anima che, passando attraverso prove e purificazioni, si libera dalle impurità del mondo materiale e raggiunge l’unione con il principio divino.

La Basilica sotterranea di Porta Maggiore è uno straordinario crocevia tra arte, filosofia e spiritualità. Che fosse un luogo di culto neopitagorico o una struttura funeraria, rimane un capolavoro che riflette la profondità del pensiero e della cultura dell’antica Roma. Un vero tesoro da esplorare per comprendere meglio la connessione tra mito, filosofia e architettura.

Basilica Sotterranea di Porta Maggiore

Il suicidio di Tito Statilia Tauro

Il Tempio di Saturno

Un gioiello nascosto a Villa Torlonia

Celebrare il tempo e l’armonia universale

Il Tempio di Saturno a Villa Torlonia, costruito tra il 1836 e il 1838 su commissione di Alessandro Torlonia, si erge come un’opera neoclassica che intreccia elementi decorativi densi di simbolismo.
Situato in un parco originariamente dedicato alla viticoltura, il tempio richiama l’architettura romana e funge da ponte tra tradizione classica e aspirazioni moderne del XIX secolo.
Oltre all’intento celebrativo di Alessandro Torlonia, nasconde un’antica storia di amicizia.

Struttura Architettonica
La struttura si presenta con eleganti colonne doriche che sorreggono un frontone decorato con un bassorilievo intitolato “La vita umana e il Tempo che trionfa sulla Gioia, sull’Arte e sulla Cultura”, opera dello scultore Vincenzo Gajassi. Questo rilievo rappresenta Saturno, personificazione del tempo, attorniato dai suoi attributi simbolici: una falce, un leone e un serpente che tiene in bocca una sfera. Ai lati, le raffigurazioni delle Quattro Stagioni completano la composizione, celebrando il ciclo eterno della natura.

Sulla parete di fondo, in posizione centrale, troviamo un rilievo che raffigura Dionisio nell’atto di donare la vite agli uomini, a sottolineare il legame tra fertilità, cultura e natura. Ai suoi lati due mascheroni teatrali che richiamano le tradizioni artistiche dell’antica Roma, simbolo dell’importanza dell’arte nella vita umana. Infine, sulle pareti laterali, due pannelli decorativi, copie in gesso tratte dall’Arco di Trionfo di Marco Aurelio, raffigurano il Trionfo e la Clemenza. Gli originali di questi rilievi si trovano oggi conservati ai Musei Capitolini, un elemento che aggiunge ulteriore prestigio alla struttura.

Analisi simbolica: un messaggio di armonia universale

Il Tempio di Saturno è ricco di simboli che sembrano dialogare tra loro per trasmettere un messaggio di equilibrio e ciclicità:

Pannelli dell’Arco di Trionfo: Il Trionfo e la Clemenza simboleggiano il successo e la virtù, riflettendo forse l’immagine che Alessandro Torlonia desiderava trasmettere di sé come uomo giusto e magnanimo.

Saturno e i suoi attributi: La falce rappresenta la trasformazione e il rinnovamento, il leone simboleggia la forza, mentre il serpente con la sfera richiama il simbolo dell’ouroboros, segno di eternità e rigenerazione. La sfera, forse, rappresenta il mondo, sottolineando l’idea di un ordine cosmico.

Dionisio e la vite: Questo rilievo potrebbe essere un omaggio alla fertilità e alla cultura, con un chiaro richiamo al passato agricolo di Villa Torlonia, originariamente una vigna.

Mascheroni teatrali: Evocano il valore delle arti e il loro ruolo nell’arricchire l’esperienza umana.

Confronto con il Tempio di Esculapio di Villa Borghese

Un interessante parallelo può essere tracciato con il Tempio di Esculapio a Villa Borghese, costruito tra il 1785 e il 1792. Questo tempio, anch’esso in stile neoclassico, si erge su un isolotto al centro di un laghetto artificiale, creando un’atmosfera suggestiva e serena. Dedicato al dio della medicina, il Tempio di Esculapio celebra la guarigione e la rinascita.

Sebbene entrambi i templi condividano il simbolo del serpente, i significati differiscono: al Tempio di Saturno il serpente con la sfera simboleggia l’eternità e l’armonia cosmica, mentre al Tempio di Esculapio rappresenta la guarigione e la rigenerazione. Inoltre, il contesto acquatico del Tempio di Esculapio, con il suo laghetto artificiale, amplifica l’idea di purificazione e rinascita, in contrasto con il legame agricolo e naturale del Tempio di Saturno.

L’ intento celebrativo di Alessandro Torlonia

Il Tempio di Saturno non è solo un esempio di maestria artistica e architettonica, ma anche una testimonianza delle ambizioni culturali di Alessandro Torlonia. Mecenate illuminato, Torlonia era un raffinato collezionista di antichità e proprietario dei celebri “Marmi Torlonia”, la più grande collezione di statue antiche in mani private. Questi capolavori erano custoditi nel Museo Torlonia di via della Lungara, simbolo del suo impegno nella valorizzazione dell’arte e della storia.

In questo contesto, il Tempio di Saturno diventa non solo un omaggio al passato, ma un invito a riflettere sul ruolo del tempo, della cultura e dell’arte nella vita. Un messaggio che, ancor oggi, continua a parlare attraverso la pietra e il simbolismo.

Dietro la retorica si nasconde una grande storia di amicizia e fedeltà

Nel pannello della Clemenza, l’imperatore Marco Aurelio è rappresentato nell’atto di concedere clemenza a due supplici imploranti ai suoi piedi (rappresentanti delle popolazioni sconfitte). L’atto di clemenza è accompagnato probabilmente da un discorso che Marco Aurelio sta tenendo e, dall’atteggiamento di ascolto dei soldati, capiamo che le parole sono rivolte a loro più che agli sconfitti. Di fianco a lui, con uno sguardo particolarmente intenso c’è un uomo.

Dalla gravità dell’espressione, mista ad ammirazione, unitamente alla vicinanza fisica alla persona dell’imperatore, capiamo che esiste una forte relazione tra i due. L’uomo è uno dei generali più fidati di Marco Aurelio: Tiberio Claudio Pompeiano. Così intimo dell’imperatore da sposarne la figlia, Lucilla, dopo la morte prematura di Lucio Vero.

Pompeiano faceva parte della stretta cerchia di generali a cui Marco Aurelio aveva affidato Commodo alla sua morte. Il figlio Commodo aveva allora 18 anni e giovane e inesperto scappò subito dal fronte per godere della vita a Roma.

Pompeiano cercò anche di difendere Lucilla dalle trame di Palazzo, ma fallì quando venne accusata e condannata a morte per aver congiurato contro il fratello. Dopo la morte di Commodo rifiutò per ben tre volte la porpora imperiale dimostrando una rara modestia e dedizione al servizio pubblico.

La sua figura rappresenta un esempio di virtù e competenza nell’amministrazione e nella strategia militare dell’Impero Romano.

Museo di Villa Torlonia

Dove si trova?

Immerso nel suggestivo parco di Villa Torlonia a Roma, il Tempio di Saturno si erge lungo il percorso che conduce alla pittoresca Casina delle Civette. L’edificio, con un pronao sorretto da quattro colonne doriche in granito, è circondato dalla vegetazione, che cela la sua parte posteriore non completata.

Artisti e Realizzazione
Il progetto fu affidato a Giovan Battista Caretti e l’opera fu ultimata nel 1838. Per la decorazione del frontone, Alessandro Torlonia scelse Vincenzo Gajassi che realizzò un bassorilievo in terracotta dal profondo simbolismo.

Condizioni Attuali
Nonostante il valore storico e culturale, il Tempio di Saturno rimane in attesa di restauro. Questo piccolo ma significativo gioiello architettonico merita di essere riportato alla sua gloria originale.

Il Casino Nobile

La Casina delle Civette

Serra e Torre Moresca

Il Teatro di Villa Torlonia

Gli obelischi di Villa Torlonia

Il Casino dei Principi

Il rifugio antiaereo di Villa Torlonia

I Marmi Torlonia e il museo scomparso

Visita al Casino del Bel Respiro: Guida Completa

Visitare il Casino del Bel Respiro o Villino dell’Algardi, non è semplice, ma nemmeno impossibile. Una volta superate le difficoltà logistiche, potrete godere di un’esperienza indimenticabile. Il Villino è una delle sedi di rappresentanza della Presidenza del Consiglio dei Ministri della Repubblica Italiana. Qui si ricevono ospiti internazionali, sovrani, delegazioni di tutti i Paesi del Mondo e si siglano accordi e contratti.

Per valorizzare il patrimonio artistico e culturale del Paese e permettere ai cittadini – nonché contribuenti – di fruire di un bene pubblico, vengono organizzate delle visite guidate secondo un calendario ben preciso. L’accesso avviene solo su prenotazione. Considerato il grande numero di persone che desidera visitare questa meraviglia del XVII secolo, bisogna armarsi di pazienza e sperare di rientrare nel numero previsto di visitatori per la data prescelta (gruppi di massimo 30 persone).

Il percorso della Visita

Il percorso viene stabilito dal cerimoniale. Di seguito il programma del 2025:

Viale d’ingresso Nord con panorama su Roma
Giardino Superiore detto del Bel Respiro e Facciata Settentrionale
Piano Nobile: Atrio Esterno, Sala Rotonda, Galleria Est, Sala Sud, Salotto d’Angolo, Vestibolo
Piano Terreno: Sala Costumi Romani, Sala Roma, Sala di Ercole, Vestibolo
Giardino Segreto e Facciata meridionale

Viale d’ingresso Nord

Appena arrivati lungo il viale del Maglio si può godere di una vista bellissima: davanti a voi la facciata settentrionale del Casino e dietro il cupolone di San Pietro.

Giardino Superiore e Facciata Settentrionale

In questo spazio, davanti al palazzo, accedono le auto delle delegazioni internazionali e vengono accolti gli ospiti dal Primo Ministro, insieme al cerimoniale. In questo piazzale vengono fatte le foto di rito durante gli incontri diplomatici.

La forma del Villino ricorda un arco di trionfo e la funzione di celebrare la potenza della famiglia Pamphili è evidente in tutti gli stemmi che compaiono sulla facciata, sulle porte e perfino nelle forme delle aiuole del giardino segreto sul retro.

La facciata maestosa del Casino del Bel Respiro, una rappresentanza della Presidenza del Consiglio dei Ministri della Repubblica Italiana.

Il palazzo, con impianto palladiano, presenta statue, busti e bassorilievi di età romana su tutte e quattro le facciate.

L’ingresso doveva far capire da subito che gli ospiti del Villino erano munifici e potenti, ed infatti un grande arco s’innalza fino al secondo piano dell’edificio. La sovrastante finestra risulta così non allineata a quelle laterali e al di sopra di questa si trova il grande stemma della famiglia Pamphilj: una colomba con un ramoscello d’olivo nel becco, sormontata da tre gigli.

Molte delle finestre visibili sulla facciata in realtà non esistono, ma servono solo a mantenere l’equilibrio tra gli elementi decorativi.

La bellezza del Palazzo, unita alla sua posizione, sono di indubbio fascino. Un’ottimo biglietto da visita per l’Italia. Arrivati davanti alla porta di ingresso diventa subito chiaro perché il casino è detto del “Bel Respiro” o “dell’Allegrezza”. La porta d’ingresso è in asse con la finestra del balcone, sul lato opposto.

La corrente d’aria che attraversa il Casino sembra un respiro e porta con sé i profumi del parco di Villa Pamphili e la luce meravigliosa di Roma. Questo produce una sensazione di armonia e bellezza che dispone alla tranquillità.

Piano Nobile

L’edificio è composto da due piani pressoché identitici: entrambi presentano una sala rotonda centrale attorno alla quale sono disposisti gli altri ambienti.
Un volta entrati, superato l’atrio, troviamo la Sala Rotonda del piano nobile, a doppia altezza. La sala è decorata da quattro grandi statue inserite in nicchie.
La luce proviene dall’alto da finestre a bocca di lupo e al centro si trova un colossale vaso di albastro bianchissimo. E qui la prima epifania: ci hanno raccontato che in un certo periodo dell’anno a mezzo giorno la luce del sole dalle finestre produce un raggio che entra direttamente dentro il vaso illuminandone l’interno, esaltandone le decorazioni. L’effetto è di grande bellezza.
Del piano nobile si rimane colpiti dal balcone della Sala Sud, dal quale è possibile godere della vista del giardino segreto.

Piano terra e Giardino Segreto

Essendo il Villino costruito su un dislivello, il piano nobile si trova al piano terra della facciata nord, mentre è al primo piano piano della facciata sud. Per accedere al Giardino Segreto, si scende quindi al piano terra (seminterrato sul versante nord) e si visiteranno 4 ambienti: la Sala dei Costumi Romani, la Sala Roma a forma circolare, la Sala di Ercole ed il Vestibolo.

La Sala Roma aveva al centro una fontana, oggi sostituita con un gigantesco tavolo di Olivo, proveniente dalla Puglia (il tavolo sembra essere ricavato da una pianta secolare ed era stato utilizzato per le riunioni del G20 di Bari del 2021).

Il Vestibolo è decorato con storie mitologiche riferite agli amori difficili, per ricordare le difficoltà che attraversarono Camillo Pamphilij e Olimpia Aldobrandini per potersi sposare.

Dal vestibolo si accede al Giardino Segreto, bellissimo esempio di giardino all’italiana. Al centro una fontana in bronzo degli inizi del XX secolo, due mostri marini antropomorfi, inginocchiati su una conchiglia, schiena contro schiena, sputano getti di acqua.

La fontana è fiancheggiata da 4 aiuole di bosso che formano il simbolo del giglio e delle colombe, elementi dello stemma araldico della famiglia Pamphilij. Il giardino segreto è sicuramente l’elemento coreografico più spettacolare di tutto il parco di Villa Doria Pamphilij.

Due peschiere sono presenti sui lati corti del giardino. La peschiera ad ovest è abbellita dalla presenza di un maestoso Cipresso Calvo, originario delle paludi Americane. Questo albero è stato introdotto in Europa a metà del XVII secolo, è un albero molto longevo e può vivere fino a 1000 anni e raggiungere un’altezza di 40m. In autunno le sue foglie assumono una colorazione che va dal giallo al rosso intenso, rendendo ancora più bello questa parte del parco.

Casino del Bel Respiro o dell’Algardi
Via Aurelia Antica , 183
all’interno del Parco di Villa Pamphilij

Sito web: https://www.governo.it/it/visitare-i-palazzi-istituzionali/villa-algardi-il-percorso-la-storia/2941

Costo del biglietto: GRATUITO

Accessibilità: il palazzo è una sede di rappresentanza della Presidenza del Consiglio dei Ministri della Repubblica Italiana, pertanto l’accesso è consentito solo su prenotazione nelle date ed orari stabiliti da un calendario di visite (di norma una volta al mese, il sabato mattina da settembre a giugno, dalle ore 09:00 alle ore 13:00. Ciascuna visita in questa fascia oraria ha una durata di un’ora).

> Consulta il calendario

Il percorso della visita: gestito dal cerimoniale della Presidenza del Consiglio è stabilito e fisso a causa delle norme di sicurezza. E’ consultabile qui

E’ VIETATO FOTOGRAFARE GLI INTERNI DEL PALAZZO

Link utili:
https://thetravellingpetsitter.it/casino-algardi-a-roma/

https://www.turismoroma.it/it/luoghi/casino-del-bel-respiro-villa-pamphilj

https://www.restaurocarlatomasi.com/riqualificazione-e-recupero-della-sede-di-rappresentanza-del-complesso-demaniale-di-villa-pamphilj-roma/

https://laforestaincantata.blogspot.com/2015/12/arte-storia-e-natura-nella-cornice.html

La fontana dell’Annunziata

La Fontana dell’Annunziata, situata nella Villa Doria Pamphilj di Roma, è un capolavoro di arte e natura voluto da Mary Talbot nel 1850. Ispirata all’opera di Pietro Tacca, essa rappresenta un importante simbolo culturale tra Firenze, Roma e Livorno, grazie alla visione di Talbot e alla maestria artistica di Tacca.